Begreppet "rysk klassicism" - snarare från området för allmän konsthistoria - var inte populärt inom musikvetenskap. Rysk musik från Petrine-perioden betraktades som huvudinstrumentet för en speciell ideologisk inriktning, som inte tillät inspelning av multi-genre-panorama av tidens stil.
Den stora betydelsen av tillnärmning med västeuropeisk konst, särskilt italiensk, noteras; påverkan av barock, sentimentalism och klassisk stil. Konceptet för den klassiska stilen bildas emellertid på en bredare generbasis förknippad med traditionell andlig och musikalisk kreativitet. Men det var just det som förblev utom synhåll, även om det i det observerades karakteristiska fenomen som behöll sin styrka under den efterföljande tiden.
Som det är känt spelade Italien en speciell historisk roll i "tidens stil" (1700-talet), som gav Ryssland inte bara sådana maestroer som Araya, Sarti, Galuppi och andra, utan utbildade också många framtida begåvade kompositörer - ryska italienare.
Karakteristiska klassicistiska inslag
Europeanisering ägde rum i både sekulär och helig musik. Och om det för den förra är en helt naturlig process, för den andliga, rotad i gamla gamla traditioner, är den svår och smärtsam. Ljust och uttrycksfullt på sitt eget sätt representeras det berömda klassiska tonsystemet exakt i den ryska andliga och korlitteraturen, vars skapare var lärda musiker, europeiskt utbildade människor - musik som inte har försvunnit från den historiska scenen och inte har förlorat sin betydelse i vår moderna kultur.
Dess skapare inkluderar: Stepan Anikievich Degtyarev (1766-1813) - lärjunge till Sarti, dirigent för greve Sheremetev; Artemy Lukyanovich Vedel (1770-1806) - också en student av Sarti, som var körledare i Kiev; Stepan Ivanovich Davydov (1777-1825) - en student av Sarti, och sedan chef för de kejserliga teatrarna i Moskva; Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777) - en elev av Martini den äldre (Bologna), hedersmedlem i många akademier i Italien. Har detta musikaliska bidrag överlevt till denna dag? I början av XX-talet. samlingar publicerades (t.ex. redigerade av E. S. Azzeev, N. D. Lebedev), som innehöll verk av Degtyarev, Vedel, Bortnyansky; i slutet av seklet trycks de om och blir därför repertoar och efterfrågade.
En speciell plats i musiken från slutet av 1700 - början av 1800-talet. tog över arbetet av Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1752-1825), en elev av Galuppi, en kompositör som enligt Metallov upptäckte "den nyaste perioden i harmonisk sånghistoria", "en ny riktning i partysång." Nyheten i hans musikaliska karriär ligger i ett antal sammanhängande idéer, såsom: en avvikelse från den italienska stilen som absorberade föregångarnas frihet; uppmärksamma innebörden av texten, kringgå de musikaliska och effektiva teknikerna i språket; slutligen vädja till det antika ryska arvet genom bearbetning av låtar och projektet för återuppbyggnad av nationell låtskrivning. Bortnyanskys skapelser har inte bleknat över tiden: till denna dag fortsätter de att låta i kyrkor och konserter, publiceras på nytt och återges i utmärkta föreställningar.
Dessa kompositörers musikaliska aktiviteter är relaterade till några allmänna idéer som är inneboende i tidens stil. De handlade om förändringar inom genresystemet, som, efter att ha bevarat mycket av det förflutna, kompletterades med konserter, enskilda årsånger.
Konserterna under denna period skilde sig från de som uppträdde delvis i musik (i synnerhet hos Diletsky): för konserter av ryska italienare är en ganska tydlig form karakteristisk, bestående av 3-4 delar med olika texter, i olika tempo och stämningar; en symmetrisk rytm är karakteristisk, som underordnar texten på kyrkans slaviska språk; Slutligen är den klassiska dur-minor-tangenten karakteristisk, som realiserar sig i en rörlig klangstruktur.
Den ryska musikaliska klassicismen, efter att ha assimilerat den västerländska musikens stil, genomförde en sorts transplantation av tonidéer på ett objekt som är ovanligt för europeisk musik. Genresystemet för rysk kyrkamusik är ett område med specifika former och klanginställningar som genereras av specifikt innehåll, teman och slutligen liturgisk tradition. Att införa en harmonisk tonalitet till den plats där det antika ryska modalsystemet regerade högst i många århundraden innebär att helt ändra paradigmet för helig musik och godkänna ett nytt system.
Totalt system
Det tonala systemet, som historiskt framställts av den kreativa forskningen av ett antal musiker under den preklassiska perioden, är det primära tecknet på det klassiska tänkandet hos ryska kompositörer på den tiden. I kombination med genreorientering får detta system inte bara tillräckligt tydliga konturer utan också i vissa, till exempel Bortnyansky, ett komplett uttryck. Samtidigt försvinner spår av barocktänkande inte helt och gör sig kända i stil med musikalisk komposition.
Vilka är de specifika uttrycksmedel, det formella system som används av de så kallade ryska italienarna i modern tid?
Vårt öra identifierar tydligt ett visst ordförråd och ordanvändning, med andra ord, enheter i tonhöjdssystemet och sambandet mellan dem. Denna ordbok består av tredjedel ackord, nämligen triader - konsonant fonism, och sjunde ackord - dissonant fonism. Denna typ av klingande materia fyller många musikaliska kompositioner och bildar deras levande kött, nästan utan hänsyn till varken den konstnärliga uppgiften eller verkets genre.
Valet påverkade inte bara ackordordboken utan också den harmoniska kompositionen. Det hundraåriga skalningssystemet, baserat på kyrkans skala i 12 ton, ersattes helt av 7-stegs dur och mindre. Europeanisering är två band i stället för åtta röstband; det är förändringen av variationen i modalitet genom tonalitetens enhetlighet; det är tanken att centralisera systemet istället för variabiliteten hos grunden. Det gamla systemet har emellertid inte "sjunkit in i glömskan", har inte raderats från folksångminnet: efter att ha fått status som sekundärt återupplivades det gradvis - en slags "försenad renässans" - i teorin och i praktiken. Och århundradet XIX och XX. - detta är en tydlig bekräftelse.
Så, byggandet av tonalsystemet är uppfört på grundval av interetniska kontakter, är byggt enligt de universella skönhetslagarna; och denna lag får tydligt uttryck i det formella systemet - musikaliskt material och sätt att hantera och manipulera det.
Organiseringen av ljudkonsekvenser av musikaliska kompositioner kännetecknas av en karakteristisk konsistens av olika nivåer, och lagen om att skapa en inre balans styr ljudförhållanden nära och på avstånd. Detta uttrycks:
- i samtrafik och ömsesidigt inflytande av de delar som bildar ett komplett arbete - makronivån;
- vid föreningen av ackord, som hålls samman av gravitation mot toncentrum - mikronivån;
- i närvaro av två - dur och moll - skalor, som gradvis går in i utbyte och syntes av ingående toner och ackord.
Fungerar för kör
Verk för kören om heliga teman är exempel på musiken från den ryska klassicismen, vars funktioner läses i sin konstnärliga tid och konstnärliga utrymme.
Galuppi (1706-1785), författaren till ett antal italienska operaer (främst opera-buffa), liksom kantater, oratorier och klaviersonater, medan han arbetade i St Petersburg och Moskva, började komponera musik för ortodoxa tillbedjan. Naturligtvis satte den italienska kompositören inte mål, för det första att studera funktionerna i det antika ryska musiksystemet, och för det andra att ändra sitt redan etablerade musikalspråk. Galuppi använde samma musikaliska ord i termer av andra verbala texter.
Det musikaliska språket i denna "italienska, som skrev musik för domarkören", blandat med den ryska dialekten från sina anhängare. Galuppi, läraren i Bortnyansky, är känd i kyrkans kretsar som författare till konserter ("Hjärtat är klart", "Herren kommer att höra dig") och individuella sånger (till exempel "snygg Joseph", "Endast född Son "," The Grace of the World ", etc.).
Det musikaliska systemet har också klassiska konturer i Sartis andliga och korverk (1729-1802), vars undervisning sträckte sig till berömda ryska italienare (Degtyarev, Vedel, Davydov, Kashin, etc.). En operakompositör (seria och buffa), chef för Imperial Court Chapel, Sarti komponerade också ortodox musik, som absorberade stilistiken i kompositörens opera och instrumentala verk. Särskilt vägledande är hans andliga konserter, en genre som har blivit fast etablerad i ryska kompositörers praxis. "Rejoice the People" av Sarti är en högtidlig påskkonsert som är karakteristisk för denna musikers kompositionsteknik. Formen, som består av ett antal block, bildas inte under textens auktoritet, utan tvärtom under den musikaliska bildens auktoritet, vilket leder till många upprepningar av ord och fraser som varierar i melodisk-harmoniska vändningar.
Det tonharmoniska systemet är extremt tydligt: den rytmiskt förlängda TSDT-formeln skulle ha låtit påträngande och primitiv, om inte för de strukturerade klangtransformationerna, som kombinerar solo och tutti, vertikala och horisontella konsonanser. Musiken är uttrycksfull och tillgänglig.
De andliga verken från Sarti, som ansågs vara en "enastående kompositör", publicerades i Ryssland - båda i form av små bitar (Cherubic Songs, "Our Father," my heart "). De ingick i samlingar (till exempel M. Goltison, N. Lebedev), tillsammans med verk från andra gamla mästare - Vedel, Degtyarev, Davydov, Bortnyansky, Berezovsky - och bildade ett enda lager av kultur i efterfrågan i början av 1900-talet.
De få verk av M. S. Berezovsky (1745-1777) "bär stämpeln av en stark musikalisk talang och sticker ut märkbart från ett antal samtida kompositörer" - så skrev de i början av 1900-talet. Metaller anser med rätta sitt bästa verk konserten "Förkasta mig inte i min ålderdom". Denna konsert, säger Fr. Razumovsky, har länge rankats bland våra klassiska verk”. Förutom konserten utvecklade Berezovsky genren "deltagande", nära funktion till konserten, till exempel: "Skapa änglar", "I evigt minne", "Frälsningens kalk" - och skrev också psalmen "Jag Tro "och andra sånger.
Hans konsert "Our Father", en högtidlig och ljus psalm, bestående av flera delar, präglad av en uttrycksfull förändring i tempo och tonalitet, har överlevt i den framträdande repertoaren till denna dag. Ett typiskt europeiskt system manifesterar sig på olika nivåer av korkomposition, med andra ord, det realiserar sina konstnärliga resurser i strukturella och syntaktiska termer.
Vad är Berezovskys självständighet, originalitet, som Metallov noterade som ett nationellt inslag? Genom att tillämpa det redan fullt utvecklade europeiska tonsystemet kunde hedersmedlemmen i Bologna-akademin inte tala ett språk som inte var förståeligt för andra. Men hans musikaliska tal saknar inte en personlig princip, som underlättades av ett antal skäl: en andlig text som dikterar en figurativ struktur; liturgisk genre, som bestämmer sättet att uttrycka tankar; en musikalisk form som genereras av båda och realiserar en specifik konstnärlig uppgift i rymdtid. Och slutligen är Berezovskys musik resultatet av att förstå betydelsen av andlig poesi, resultatet av en spännande emotionell tolkning.
M. S. Berezovsky är få, men de sticker ut märkbart mot bakgrunden av hans samtida arbeten. "Jag tror", "Avvisa mig inte under stränghet" (konsert), "Herren ska regera" (konsert), "Skapa änglar", "Till evigt minne", "Frälsningens kalk", "Till helheten exodusens jord”- alla dessa är andliga - musikaliska kompositioner som publicerades i början av 1900-talet ger betydande material för att känna igen musikstils stil, dess tonala och harmoniska drag.
SA Degtyarev (Dekhtyarev, 1766-1813) är det förlorade namnet på den tidigare serven Greve Sheremetev, som utbildades i S: t Petersburg (från Sarti) och i Italien, en musiker som på en gång ansågs vara en "framstående andlig kompositör", utförs och vördas. Kompositören arbetade huvudsakligen inom konsertens genre, till exempel: "Detta är dagen för glädje och glädje", "Min själ kommer att förstora", "Gud är med oss", "Ropa till Gud hela jorden", etc., där han uppnådde en viss framgång. Hans verk är också kända inom andra genrer - Cherubim, "The Grace of the World", "Praise the Lord of Lord", "Worthy" och andra. Degtyarev överlevde sin tid: hans kompositioner, enligt Lisitsyn, var extremt utbredda i körer i början av 1900-talet; nu utfärdas de och eventuellt sjunger de. Vi är intresserade av honom som en representant för den ryska klassicismen, som lämnade ett stort kulturarv.
Liksom andra ryska italienare arbetade kompositören i ett karakteristiskt figurativt genresystem med sitt musikalspråk.
I början av förra seklet var Degtyarev på mode, vilket indikerar efterfrågan på hans musik i vissa kretsar. Detta framgår vältaligt av musikal- och publiceringsmeddelandet: "Godfather ubo David", "Bow, O Lord, Your ear" (konsert), "My God, my God, morning to You" (konsert), "Our Father" Nej 2, "Kom låt oss stiga upp till Herrens berg" (konsert), "Detta är Herrens dag", "Från de himmelska kretsarna" - övervägande konsertstycken.
A. L. Vedel (1770-1806) är en annan begåvad rysk kompositör på 1700-talet, vars namn av någon anledning inte kom in i läroböckerna i musikhistoria, även om hans verk fortsätter att låta i början av det tredje årtusendet och hans anteckningar utfärdas och omorienteras. Melodiösheten och harmonin i hans andliga och musikaliska kompositioner, som en gång uppfattas som sentimentalitet, sötma och ömhet, är faktiskt resultatet av att han hör den andliga texten - de grundläggande principerna för hans kompositioner.
”Öppna omvändelsens dörrar”,”På floderna i Babylon” - psalmer av den stora fastan; irmosi av kanonen "Resurrection Day" för påsk; Kanonens irmosi för Kristi födelse är verk som inte förlorar sin popularitet både i modern liturgisk sång och i konstnärlig framträdande. Anmärkningsvärt för att "träffa målet exakt", koncentrerar dessa kompositioner, liksom Wedels bästa konserter, energin av omvändelse och sorg, triumf och glädje. Och även om mycket förblev förlorat under tiden, beskrevs Vedel som "den mest framstående andliga kompositören" på sin tid. En lärjunge till Sarti och arving till de italienska och rysk-ukrainska traditionerna, Wedel insåg sin talang under förhållandena för den ryska klassicismen på 1700-talet.
Den organiska kombinationen av sydryska och Moskva traditioner återspeglades i stilistiken i hans andliga och musikaliska kompositioner - oavsett vilken genre kompositören arbetade i. Men en speciell plats upptar konsertsgenren, som har tagit rot i praktiken med Galuppis "lätta hand", till exempel: "Hur länge, Herre," "Himmelsk kung", "I böner, den obevekliga modern av Gud. " Med en tillräcklig genrevariation behåller tonhöjdssystemet, anpassad till den kanoniska texten, sina konturer. Den här egenskapen är inte en del av Vedel ensam, utan observeras hos många "ryska italienare".
Specifikt musikmaterial
”Öppna dörrarna till omvändelse” (nr 1: tenor 1, tenor 2, bas) är en genfri genreform, som består av tre sticherablock som skiljer sig i struktur, melodiharmoniskt material och rytm. En öppen tonplan (F-dur, g-moll, d-moll) bildar en öppen form med en subdominantmediant orientering. Logiken i det harmoniska systemet, baserad på major-minor-dualiteten, består i struktur-variant-utvecklingen av den klassiska funktionella formeln TSDT. Tertsovo-sjätte duplikationer, stödja funktionella basar, linjärt aktiverad röstledande - allt detta bildar sångens karakteristiska fonism. Trots den till synes banaliteten "berör kompositionens musik" hjärtan "av känslan av uppriktighet och uppriktighet, väckt av ordet, platsen i tjänst för Lenten Triodion.
Jämförelse med Bortnyanskys "Ånger", sammansatt som "Hjälpar och beskyddare", avslöjar å ena sidan samma intonationella förbindelser med den södra ryska vardagen och å andra sidan en annan författares tillvägagångssätt, vars betydelse är allvaret av textur, enhet i tonplanen och rytmisk pulsering …
"Kristus är född", kanonens irmosi på juldagen, skiljer sig från den vanliga sången i den "eleganta" konsistensen, flexibel rytmisk rörelse, melodisk och harmonisk glans. Stylistens konsertstil återspeglas också i det faktum att var och en av delarna är sin egen bild som dikteras av den kanoniska texten. Funktionerna i det klassiska systemet är i hela uppsättningen medel, med början från bandet och ackordmaterialet och slutar med harmoniska anslutningar inuti. Den typiska formningen av kanonen - följd av nio låtar med olika texter - ger också upphov till en specifik tonplan, som utvecklats av kompositören på grundval av de klassiska stämningsförhållandena, men med den dominerande positionen för den viktigaste (C-dur).
Om vi beskriver den harmoniska strukturen kommer den att visa sig vara stereotyp: autentiska vändningar, sekvenser med sekundära dominanter, fulla kadenser, toniska och dominerande orgelpunkter, avvikelser i tonaliteten hos den första graden av släktskap, etc. Men poängen är inte i formlerna, även om detta också är viktigt för den tidens stil … Wedel är en mästare i körtextur, som han skickligt sjunger enligt modeller av klassisk tonalitet, utvecklas i olika klangversioner (solo - allt), i olika registerfärger och pulserande densitet hos körljudet.
Den klassiska harmoniska tonaliteten hörs med särskild klarhet i genren för konserten, vilket gör det möjligt att avslöja dess makro- och mikroplan. "Now the Lord of the Creature" för en blandad kör är en integrerad enrörelsekomposition som består av tydligt separerade textmusikavsnitt: måttlig (G-moll) - snarare (C-moll / Es-dur) - mycket långsamt (C-moll - G-dur) - ganska snart (i g-moll). Major-minor tonplan är funktionellt och temporärt tydligt "debugged" och liknar delvis västerländsk cykliskitet.
Intra-tonal tematisk utveckling, som kombinerar vertikala och horisontella metoder, är en process som styrs av den logiska principen om förhållandet mellan melodisk-harmoniska "block". Med andra ord är den musikaliska triaden "exponering-utveckling-slutsats", definierad av texten, baserad på ett visst val av tonharmoniska medel som motsvarar platsen i kompositionen. Äktheten hos initiala och utvecklingssvängningar står tydligt emot full kadensföljder, och dominansen av ackordens grundläggande funktioner lämnar inget utrymme för variabla funktioner. Major-mindre fonism får en att glömma bort den karakteristiska gamla ryska modalfärgen.
Enkelheten och okompliciteten hos de harmoniska lösningarna, spridda över hela konserten, "kompenseras" av den strukturerade och färgade sorten. Mobil densitet av musikväv, variation i klangkombinationer, gruppering”en efter en, alla” - dessa olika tekniker färgar monotonin i harmoniska former. Wedel har förmågan att tränga igenom textens figurativa struktur och skapa en uttrycksfull hjärtlig melodisk-harmonisk stämning.
SI Davydov (1777-1825), också en student av Sarti, ascetiserades inom teateraktiviteten (regissör för de kejserliga teatrarna i Moskva) och lämnade ett antal andliga och musikaliska verk publicerade. Helt motsvarande tidens anda och stil, de är skrivna på samma musikaliska och stilistiska språk, men saknar inte deras intonation.
Så, stilistiken för Davydovs harmoniska språk, uppenbarligen inte inriktad på den ryska antiken, avslöjas i samband med vissa genrepreferenser - konserter, till exempel: "Vi prisar Gud för dig", "Se nu", "Sjung till Herren", “Representation of Christian” - en kör; "Ära till Gud i det högsta", "Herre, som bor", "Herre från himlen …" dubbelsidig, liksom, vilket är betydelsefullt, liturgin (15 siffror) Det finns bevis för att i början av 1900-talets Davydovs verk var populära - till exempel "Grace of the World", "Come", "Renew" - och ansågs särskilt lämpliga för speciella tillfällen.
"Ära till Gud i högsta grad", en psalm till jul, är ett levande exempel på Davydovs harmoniska språk, sjunkna klassiker, men inte utan "spår" av barocktecken. Konsertformen (snabb-långsam-snabb) uppmuntrar författaren att utveckla tonharmonisk. Författaren tänker i ganska aktiva och utvecklade moduleringsformer och begränsar sig inte till "stämningar" av den första släktingens grad.
Generellt presenteras major-minor-systemet inte bara primitivt och schematiskt utan tvärtom som en organisation som är föremål för struktur- och klangvariationer, horisontella och vertikala kombinationer, rytmiska och metriska förändringar. Den här låten högtidlig, färgglad och glad, kan visa sig vara en repertoar även idag.
D. S. Bortnyansky (1751-1825), en lysande representant för rysk musikalisk klassism, efter att ha överlevt sin tid, efter nästan två århundraden, gick in i modern musikalisk kultur. De högtidliga, hjärtliga, bönfokuserade ljuden i hans chants började symbolisera formens perfektion, bildens skönhet och storhet. Och knappast någon uppfattar dem idag som européer, främmande för den nationella andan; dessutom är de nu förknippade med själva den ryska idén, som har gått igenom en märklig väg för utveckling och bildning. Det är de andliga verken i Bortnyansky som efterfrågas kulturellt just nu: de utförs, spelas in och publiceras på nytt, vilket inte kan sägas om hans sekulära genrer.
Kompositörens andliga och musikaliska verk förkroppsligar den typ av poesi som kännetecknar systemet för modern tid i Ryssland. Inom musik förbereddes det konstnärliga systemet också för länge sedan och gradvis - på 1600-talet, som var en bro mellan de gamla och nya kulturperioderna.
Bortnyanskys verk är en illustration av den klassismen, som smidigt följde den ryska barocken och följaktligen kunde innehålla stilistiska särdrag hos båda systemen i uttrycksfulla medel. Tecknen på detta fenomen finns i sammansättningen av sammansättningstekniker, och först och främst i tonhalsorganisationens särdrag, strukturen i tonalsystemet, som fungerar som grund för figurativa och semantiska tolkningar. Harmonisk tonalitet förverkligar sin potential inom ramen för en speciell genre, utvecklad just under förhållandena för den ryska musikaliska kulturen.
Genren i Bortnyanskys andliga kompositioner är inte en samling av speciellt nya genreformer (med undantag av en konsert) utan en tolkning av traditionellt existerande och fasta lagstadgade sånger. För närvarande dominerar kanske konserten Bortnyansky - till exempel har cykliska inspelningar av Valery Polyansky och andra dirigenter en stor resonans, även om den andliga Bortnyansky är aktivt efterfrågad i kyrkor, särskilt på större helgdagar.
Sammanfattningsvis Bortnyansky
- det poetiska funktionen hos det harmoniska språket samverkar nära med genre-kompositionen, det vill säga valet av medel beror på uppgiften; en liten bit skiljer sig från en stor: genrebeteckningen bestämmer den harmoniska konstruktionen;
- språkets poetiska funktion manifesteras inte så mycket i ordförråd (ackord, grupper av ackord) utan i grammatik - abstrakta och konkreta förbindelser som bestämmer både de små och stora planerna i arbetet.
Med andra ord använder Bortnyansky, som talar språket för harmonisk tonalitet, etablerade enhets-triader och sjunde ackord (mindre dur), vars distribution har lite att göra med texten och genrerna. Detta gäller även för skalor: huvud- och mindre lägen är grunden för alla ljudkombinationer. Systemet för det klassicistiska språket bestäms av en hierarkisk struktur anpassad till specifika genrer av liturgisk sång - ortodox konsertsång, kanoner, individuella psalmer, liksom tjänsten som helhet. Denna Bortnyansky kunde inte låna från de italienska lärarna; han skapade ett system vars potential fortsätter att dyka upp i andra former.
När man bestämmer särdragen i den ryska klassicismen bör man inte bara ta hänsyn till strukturen i systemet för sunda relationer utan också till det musikaliska språkets specifika poetiska funktion. Bortnyansky banade i det avseendet sin väg och följde dem och skapade underbara exempel på helig musik som resonerar hos många generationer, inklusive den nuvarande.
Ur synvinkeln för att karakterisera tillståndet för tonhöjdssystemet i Bortnyanskys verk är det viktigt att beröra ytterligare en aspekt. Detta hänvisar till "restaurering" -tendenser som noterades tidigare och som senare glömdes bort. Så, Metallov associerade med namnet Bortnyansky en viss ny riktning i partesång, vilket innebär den gradvisa befrielsen från den italienska skolans musiktraditioner, uppmärksamhet på den "forntida melodin" av musikböcker. Är inte Bortnyanskys stil ett fenomen som kombinerar tecken på den förflutna-nu-framtiden, nämligen barock och klassicistisk stil med inslag av framtida trender?
Om barocken utförde, enligt det litterära konceptet, renässansens funktioner på grund av frånvaron av den ryska renässansen, är kanske ett sådant faktum av musikhistoria som en vädjan till källorna till nationell kultur en levande bekräftelse av denna teori i öva.
Bortnyanskys verk, efter att ha överlevt sin tid, passar in i modern musikalisk verklighet - tempel och konsert. De högtidliga, hjärtliga, bönfulla sublima ljuden från hans chants började symbolisera formens perfektion, bildens skönhet och storhet.
Så efter att ha behärskat de lagar om harmoniskt tänkande som fanns i musik från italienska lärare, ryska kompositörer från 1700-talet. tillämpade dem i en annan verbal miljö och det existerande genresystemet i vårt land. Faktum är att varken höjden eller rytmen - i den form de fanns i väst - var inte anpassad till stilen med det ortodoxa liturgiska sångens musikalspråk. Efter att ha haft sina gamla institutioner visade sig denna sång, som ändrade kurs i mitten av 1600-talet, vara förvånansvärt livskraftig och lovande. Och transplantationen av systemet blev inte främmande för den mottagliga organismen i den ryska musikmiljön och visade sig dessutom inte vara fruktlös och till och med fruktbar när det gäller den vidare utvecklingen av den musikaliska mentaliteten.
Ett antal problem löst av kompositörer inom ramen för vissa villkor för körutövning:
- det finns en ganska nära koppling mellan harmoni och form - i förgrunden; mellan struktur, tempo och tunnelbanarytm - i bakgrunden;
- harmonisk formel T-D är det dominerande stilistiska drag i processen för presentation och utveckling av musikalisk tanke, och T-S-D-T - i de slutliga kadanserna;
- material - tertz ackord (triader, dominerande sjunde ackord med inversioner), berikat och utrustat med olika sekundära toner;
- moduleringsprocesser inkluderar tonaliteter av nära släktskap som passar in i styckets diatoniska bas, och dessa förhållanden realiseras både i de stora och i formens små plan.
Alla dessa funktioner i det tonala systemet, känt i väst, tillämpas på den specifika genreformen för den ryska korkonserten, kanon och andra ortodoxa sånger. Harmoni, med förbehåll för deras strukturella och figurativa innehåll, får specifika egenskaper som bestäms av förhållandena i sammanhanget. Detta är kanske kärnan i de klassistiska inslagen i musiken från ryska kompositörer från 1700-talet: Berezovsky, Degtyarev, Vedel, Davydov och deras samtida.
Musik och ord, slavisk text och rytmisk organisation på hög höjd, som var i nära interaktion, bestämde de specifika funktionerna i tonalitet och skapade ljudbilder - förkroppsligandet av "jordens" ljudutsikter och känsla av världen.
Så här kom det klassiska tonsystemet av västerländsk typ in i verk av ryska kompositörer som arbetar inom andliga och musikaliska genrer. Påståendet om meningsskiljaktighet gentemot högertänkande är ett fenomen som historiskt har varit både berett och motiverat. De hade rätt som kämpade mot plantering av andra grödor på jorden som från urminnes tider har odlat frukterna av rotad sång; de som förstod behovet av samtrafik, interaktion mellan musikaliskt tänkande hade också rätt. Men den uttalade funktionella inriktningen - liturgisk sång - bidrog till framväxten av ihållande egenskaper hos en negativ plan.
Mer än ett århundrade har gått sedan blomningen av italienarnas och deras ryska anhängares sång: att tänka inom ramen för det klassiska systemet har blivit samma nationella fenomen som skapandet av ryska arkitekter och målare, och inte en gammal sång med en unik skala, men en större och mindre låt, har blivit ett vanligt fenomen. Utvecklingen, bildandet och blomningen av "harmonisk tonalitet" skulle ha varit omöjlig utan "kreativ interaktion" med en främmande kultur under perioden med stora förändringar på 17--1800-talen.
